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viernes, 30 de enero de 2015

Rascando Discos: Banzai - Banzai


Si algo tiene la música, además de salvarnos la vida, es que nos transporta a distintos estados y tiempos. A mi los Mercury Years de Jerry Lee Lewis me transportan a las calles de Barcelona cuando era estudiante y me perdía por ellas. Judas Priest me llevan a los 11 años en la furgoneta de mis tíos en el pueblo de mi madre y Siniestro Total a fiestas de pueblo y alcohol. Recuerdo perfectamente cuando vi por primera vez a Banzai, fue en Tocata. Para un programa que había no me lo iba a perder. Ahí estábamos mis hermanos y yo, con dos cintas VHS para grabar "Spandau Ballet o Duran Duran" mi hermana y nosotros cualquier cosa con guitarras. Banzai no parecían españoles, y no me entendáis mal, pero tenían una imagen y una puesta en escena que enseguida me cautivaron. Sonaban compactos, duros y potentes. Salvador era un autentico "Guitar-hero" bueno, en España no hay héroes de la guitarra, hay mártires. Y Manzano, Manzano parecía Coverdale . Los temas eran pegadizos, de los de cantar a coro. No tarde mucho en hacerme con su disco y flipé, mucho.

Al cabo de un par de años conseguí su primer disco, y ya parecían más españoles. 

Banzai - Banzai 


Cuando pienso en este disco lo que siempre me viene a la cabeza es honestidad. También algo de ingenuidad. Creo que está hecho con mucho cariño, cuidado al detalle. También pienso que es el retrato fiel de una época y un momento. Las letras son de las de sentarte en un banco a mirar qué pasa en la calle. Es duro y potente cuando lo tiene que ser, pero es cercano y delicado cuando la canción lo necesita. Y ahí Salvador lo borda, pone toda su sabiduría al servicio de la canción y no la canción al servicio de su sabiduría. La voz de Chino también ayuda, no es Manzano (aquí ya es cuestión de gustos), no hay gritos de esos de impresionar, es una voz más cálida y sentida.


Creo que todos los conciertos tendrían que empezar con "Voy a tu ciudad", incluso los que no son de Banzai.  Es una canción perfecta. De las que te unen para siempre a la banda. El disco tiene trallazos, como este  "voy a tu ciudad" o la gamberra y reivindicativa "coche rápido en la noche", que son dos canciones que tendríamos todos que guardar en la memoria colectiva del país. Si tuviera que buscar esas referencias que tanto gustan y teniendo en cuenta que no soy un erudito, yo metería a los primeros Banzai en la cubeta de Rainbow. Es Hard Rock clásico, Chino tiene a mi parecer una voz menos heavy que Manzano, los teclados le dan un buen contrapunto a la guitarra arrolladora de Salvador. Letras con compromiso, que entiendes, que es una de las grandes diferencias con su impresionante también segundo disco. "No te enganches" es una canción que te llega muy dentro, entiendo que era una de las mayores problemáticas entre la gente joven de la época, y cuando llegas a escuchar "Amigo", pues..joder, te emocionas. La puedes hacer tuya. Todo sensibilidad.

La reunión de hace unos años de Banzai nos trajo esos viejos temas actualizados, y me atrevería decir que como el vino, ganaron con los años:



En definitiva, uno de esos discos que te dibujan una sonrisa. ¿A cuánto está una sonrisa a día de hoy?

viernes, 9 de enero de 2015

Rascando discos: Adam and the ants - Kings of the wild frontier

Contemporáneo del Punk, Adam Ant no se sentía comodo con el antipop y el poco glamour de éstos. El señor Ant buscaba la fama y declaro que "un héroe de culto es otra forma de decir perdedor". Con esta premisa se distanció de Dirk Wears White Sox, su primer disco, y buscó nuevas formas. ¿El Resultado? según Adam Ant "El último clavo en el ataúd del punk"

Para este Guerra Ant contrató a Malcolm McLaren, creador y manager de los Sex Pistols, quien le asesoró sobre la estética de la banda si bien se acabó llevando a parte de ella para formar Bow Wow Wow. Así, con la estética pirata-pop y la idea de incorporar tambores y sonidos africanos Ant junto a Marco Pirroni (Siouxsie and the Banshees) se dedican a experimentar con todo tipo de sonidos, a robar de donde pudiesen (desde texturas de bandas sonoras de John Barry y Ennio Morricone a riffs de Duane Eddy y Hank Marvin) y todo eso con unas canciones directas, cortas y pegadizas.

KINGS OF THE WILD FRONTIER

El disco empieza con las baterías en primer plano, dándoles importancia vital y encontramos Dog Eat Dog, que arrasa en la lista de éxitos. Es una canción viva, algo anárquica y espectacular. Michael Jackson, tuvo que coger el teléfono para llamar a Ant y preguntarle como habían grabado la pista de los tambores en el disco.


Antmusic es el otro gran single del disco. Entrecortada y reincidiendo en coros y tambores. Todo lo que sonara servía. Pirroni declaró que se dedicaban a golpear escritorios con reglas y utilizaban los resultados.

Ants Invasion es otro de los temas destacados del disco, con un potente riff y muy intenso en el que destaca la voz de Adam Ant. Quizás uno de los temas en los que más destaca la sección rítmica es en el tema que da título al album, con Kings of rhe wild frontier dan otra vuelta de tuerca al contenido del disco, que por momentos alcanza la locura sonica.

Con Jolly Roger, canción de piratas con la que  justifican la pinta que llevan y se alinean con en vacile con Los Rancheros, ésta dedicada a Clint Eastwood.

El disco se cierra con otra loca canción, the human beings dedicada a los indios americanos.

En definitiva un disco y un  grupo muy olvidado hoy en día, pero que tuvo su momento y que supieron  moverse entre el punk, el post punk, la new wave y los nuevos románticos. Uno de esos discos que vuelven a ti. Siempre vuelven. No en vano este disco ha sido citado como una de sus influencias por artistas tan dispares como Robbie Williams, Slipknot, Marylin Manson, Elastica, Blur o Suede.









lunes, 15 de diciembre de 2014

Rascando discos: Randy Newman - Sail Away


Randy Newman no es una mega estrella, no le acosan los periodistas y seguramente si preguntáramos por ahí sobre él o sobre su vida el silencio sería la respuesta. Aunque...¿y si te tarareo You've got a friend in me?, seguro que se te dibuja una sonrisa en la cara y la cantas conmigo. Es una gran canción. Tan buena como You can´t leave your hat on, de Joe Cocker...bueno la canción de Randy Newman que popularizó Cocker en los 80. Y ese es el problema de Newman, que pese a ser un gran compositor no ha sido un gran intérprete (eso dicen) y tampoco ha sido un artista comercial, porque a pesar de estas dos canciones que he comentado, Newman ha tratado e ironizado sobre temas como la política, la violencia, el sexismo, la esclavitud...desde el sentido del humor y es que parece que no hacer reír a según que gente te puede convertir en el saco de boxeo de la industria musical. Randy Newman, después de 15 nominaciones y de obtener un buen éxito con Short People,  puede decir hoy en día orgulloso que ya tiene 2 Oscars.


  

Nadie quiere ser Randy Newman, pero todos quieren cantar sus canciones. Three Dog Night llevó a lo más alto una canción como Mama Told Me Not To Come, Joe Cocker, Tom Jones, Ringo Starr, Nina Simone, Elvis Presley, Ray Charles, Etta James, Dusty Springfiel y hasta Pat Boone que por si no lo sabéis sólo copiaba a los mejores, utilizaron canciones de nuestro autor.


Sail Away sale en 1972 después de un primer disco grabado en 1969 que pasó sin pena ni gloria  y en el que Newman empleó demasiada instrumentación y demasiados arreglos. Las previsiones para un segundo disco no eran las mejores pero gracias a que Harry Nilsson en 1970 grabara un disco con composiciones de nuestro hombre ( Nilsson sings Newman) y que éste fuera un éxito le allanaron el camino para un segundo (12 songs) que ya empezaría a tener el sello de Newman, composiciones musicalmente más simples y en el que empezaría a tener más protagonismo su piano desnudo. El disco se abre con Sail Away, una canción sobre un traficante de esclavos de los Estados Unidos cargada de ironía y que fue incluida por Ray Charles en sus shows. Sail Away  es uno de los temas por los que será siempre recordado Newman, y hoy en día es un tema que ha sido utilizado (extrañamente) por muchos artistas para exaltar los USA como tierra de libertad.




Lonely at the top es un tema en clave de Jazz en el que habla de la soledad del éxito, con He Gives Us All His Love , un tema corto, nos habla del amor incondicional de Dios, otro tema cargado de sarcasmo y mala leche. El disco se va desarrollando entre temas más animados como Last Night I Had A Dream o Simon Smith And The Amazing Danzing Bear un tema originalmente compuesto para Alan Price en el que Newman rebosa humor y la interpreta al piano.

A pesar de que Political Science es otro de los platos fuertes del disco, nadie se ha atrevido a hacerla suya. Tal vez criticar la política de los Estados Unidos no sea demasiado comercial: " Todos nos odian por alguna razón, así que lancemos la gran bomba".

El disco llega a su punto culminante con You Can´t leave your hat on, desde luego no tiene el gancho de la de versión de Cocker o de Jones, pero en la voz de Newman es más gamberra y siniestra. Otro de esos temas incluido en la memoria colectiva de la gente.





Poco más que decir, canciones como Short People, I love L.A., o It´s a Jungle out there (Monk) hablan por sí solas.






viernes, 12 de diciembre de 2014

Rascando discos: Sly and the family stone

Uno de esos discos imprescindibles para entender la música y su desarrollo posterior: Stand! 
Con este disco Sly and the family Stone innovaron y dieron otra vuelta de tuerca a los sonidos de la época con su música. Imposible entender el funk sin ellos, pero además lo supieron mezclar magistralmente con otros estilos que convergían en esos años.


El gran responsable de todo esto fue Sylvester Stewart, más conocido como Sly Stone, un DJ y productor musical de la Bahía de San Francisco que supo dar a todo el mundo lo que quería. Acercó al público negro la música rock y a la audiencia blanca un puente para conocer el funk. Para ello formó un grupo sin que importara la raza o el sexo, lo realmente importante es que eran expertos en pop, rock, soul o jazz,




Stand! abrió las puertas del éxito al grupo, un punto álgido al que acompañó su increíble actuación en Woodstock. ¿El disco? pues rezuma alegría, optimismo, está cargado de matices y con esa voz rasgada de Sly que no te deja indiferente. El disco es un amalgama de influencias y todo, visto desde un prisma de la psicodelia que imperaba en la época. El Album comienza con Stand! y ya es toda una declaración de principios, invita a la gente a alzarse y a sentirse orgullosa de su raza: " en pie, llevas demasiado tiempo sentado", aunque quizás esa reivindicación social se ve mejor reflejada en el segundo tema del album Don´t call me nigger, whitey, un auténtico himno de la época y una de esas canciones esenciales en la historia de la música.  Otro de los temas básicos del disco es I Want to take your higher, que originalmente era la cara B de Stand! pero tras su prodigiosa interpretación en Woodstock alcanzó una nueva dimensión y tuvo que ser reeditada alcanzando buenas posiciones en las listas de éxitos. Con Everyday People consiguen un numero 1 y es otro de los himnos de los 60 más consagrados, una de esas canciones que te pueden alegrar el día. La banda lo disfruta con Sex Machine y se dejan ir completamente, es una jam donde exponen claramente las diferentes tendencias en la banda y donde demuestran lo grandes músicos que eran.

Después de Stand! la banda siguió cosechando éxitos hasta que a mediados de los 70 sus discos no tuvieron demasiada aceptación por parte del público y eso que de esta época es su tema If You Want Me To Stay, otro de los temas más emblemáticos de la banda, Por esa época las drogas hicieron merma en el grupo y sobretodo en su líder. Aunque Sly Stone continuó con el grupo o publicando en solitario no consiguió alcanzar el éxito de esos años.